樂隊去中心化

㈠ 如何評價《樂隊的夏天》

《樂隊的夏天》被評選為「北京廣播電視網路視聽發展基金2019年優秀網路視聽節目」； 並斬獲《新周刊》「2019中國視頻榜年度節目」大獎。

這檔節目集結了不同風格樂隊，通過不同風格表演角逐中國HOT5樂隊的節目。節目的評委也是從一個專業人士的角度來給樂隊做評價的，樂隊不同於歌手，最主要的不止是主唱的嗓音、台風和歌曲旋律，更多的還要看編曲、和聲、演奏技巧和配合等等。

《樂隊的夏天》集結了反光鏡、痛仰、新褲子、旅行團、鹿先森等 31支具有代表性、影響力的中國青年樂隊，他們將通過不同主題單元的內容設計及音樂表演，展現樂隊原創音樂魅力與創造力，以此爭奪 HOT 5 樂隊席位。

㈡ 關於搖滾及搖滾樂隊的相關介紹

實際上在今天這個多元化的社會文化中，文化融合已經密不可分了，很多音樂都無法用清晰的特徵將其定義，在此只是將自己多年樂迷生涯中收集的相關音樂類型的介紹分享給大家，讓大家對更多的搖滾音樂類型有所了解……大家多多支持搖滾音樂，謝謝！

很遺憾，本人在這么多年的樂迷生涯中，花費大量的精力和金錢也無法收集整齊以下搖滾類型及搖滾歷史介紹中所提及樂隊的專輯，但超過7成的樂隊的唱片我都能擁有了，這輩子……………………哈哈哈哈哈，也知足了，就是搬家的時候，麻煩點～～～

Acid Rock（酸性搖滾）
酸性搖滾是幻覺搖滾的一種激烈、大聲的變奏。它吸取了盛期已過的Cream和Jimi Hendrix即
席演奏的精華。酸性樂隊依賴變奏的吉它、柔美的歌聲和長時間的即興表演。酸性搖滾存在的
時間並不長——在幻覺劑的生命期限里，它不斷的發展並形成一個中心——最後沒有解散的樂
隊演變成了重金屬樂隊。

Acid Techno（酸性數碼）
當80年代中期酸性室內音樂緘默的時候，卻成了年青一代沉進去加深印象的時期，他們變得
十分容易受聲音的影響。在90年代初，他們中的一些人開始做音樂，並人讓聲音去適應技術而
不是象古典芝加哥室內音樂那樣是一種柔美和暖調的風格，和早期的德國Trance十分相似。酸
性數碼包括許多早期的唱片，如Aphex Twin,Plastikman,和Dave Clarke等等。
Alt Alternative Pop/Rock（成人另類流行/搖滾）成人另類流行/搖滾是相對於主流音樂的另類搖滾的一個分支, 它具有柔和的旋律和另類柔美風格。成人另類流行具有很強的商業性，但是藝術家並並不是以商業為目的。他們來自傳統的流行吉他音樂，80年代的流行舞曲(正如Gin Blossoms, Barenaked Ladies的音樂)，民謠和傳統的歌者(正如Indigo Girls, Tori Amos, Jeff Buckley, Sarah McLachlan, Fiona Apple,Jewel的音樂)，美國傳統搖滾樂(正如Sheryl Crow, Hootie & the Blowfish, Dave Matthews的音樂)，時髦的trip-hop電子(正如Portishead的音樂)。成人另類流行/搖滾的產生來自於人們感觀的成熟：它有意和無意的成為90年代的主流音樂形式。它使搖滾的形式變得更加鬆散，更加註重創作技巧。它的缺點是，成人另類搖滾的靈感僅僅停留在物質表面上－經常在表演中因為刻意追求而變得做作，有意讓音樂變得甜美，或使聲音變得深沉。但就優點而言，這種風格造就了優秀的需要經典音樂而非憑借大聲歌唱的藝術家。 當80年代中期酸性室內音樂緘默的時候，卻成了年青一代沉進去加深印象的時期，他們變得十分容易受聲音的影響。在90年代初，他們中的一些人開始做音樂，並人讓聲音去適應技術而不是象古典芝加哥室內音樂那樣是一種柔美和暖調的風格，和早期的德國Trance十分相似。酸性數碼包括許多早期的唱片，如Aphex Twin,Plastikman,和Dave Clarke等等。

Album Rock（專輯搖滾）
70年代，FM調頻電台逐漸忽視那些對轉播早期的調頻電台的隨心所欲的革新之後的電台傳媒
。就理論上，新的電台做著前人們也做過的事——以專輯播放而非單曲——但他們很快依賴與
一組為他們演奏的音樂家，讓所有專輯搖滾樂家聚在一起，一件很累的事就是他們通過媒介介
紹他們在專輯中的貢獻，加上以他們的音樂展示他們是專輯搖滾的奠基者。這意味著專輯搖滾
有重金屬/南部布魯斯搖滾。前衛搖滾由那些搖滾樂隊中的演唱者與詞曲作家組成。它有很多
不同種類，但是他們都有藝術之美與放縱的特徵，加上它不斷的在調頻電台中的播放，使這些
專輯搖滾也幾乎壟斷了70年代的調頻電台的電波。它們一直持續到80年代，但當專輯搖滾電台
逐漸發展成古典搖滾的風格，專輯搖滾就越來越少的出現在電波中。到了90年代，專輯搖滾樂
隊依然在推出新專輯，但它們過去那些老歌依然還能在電波中聽到——並且經常在音樂會上演
奏。

Alternative Dance（另類舞曲）
另類舞曲結合了擁有電子音樂結構，合成器采樣和後DISCO舞曲的方式的地下旋律性音樂結構
的另類，獨立搖滾風格。這些年當許多流行另類藝術家用舞曲或者電子音樂來試驗時，另類舞
曲得到了很大的發展並成為酒吧文化中不可缺少的音樂成分。盡管另類舞曲音樂看上去代替不
了俱樂部的舞曲，憑借它的流行可親性以及和其它音樂的易結合性，它還是成為這種文化外圍
一種重要的形式。這種特性使更多的人參與到另類舞曲之中，以此抗拒那種標準的固定樣式的
舞曲。結果是，表演者對其它的具有特定樣式結構，特殊音樂元素的音樂更加接近。很多另類
舞曲藝術家來自英國，成為地下音樂文化中非常顯著的英國酒吧和銳舞，他們創造了有助於進
行更過音樂藝術試驗的氛圍。New Order第一個另類舞曲組合，在他們1982－83年的錄音中出
現了這種冰冷陰沉的後朋克和Kraftwerk的電子流行相結合的風格。相對於另類音樂，另類舞
曲是受電子流行，酸性車房音樂和trip-hop影響最大的風格類型，這些形式都產生了相應的另
類舞曲藝術家，並在英國80年代後期的曼切斯特產生影響，直到90年代的根源於獨立和trip-
hop的藝術家。

Alternative Metal（另類金屬）
在其初始期，另類金屬以相對於那些可直接分類音樂的不同尋常的敏感形成了自己的風格。
重金屬是這種音樂的核心，但是這些樂隊太不規則了，應且他們的影響力對於適合地下的鞭撻
金屬來說太折衷了，所以他們主要的樂迷都是些喜歡重型吉他搖滾的人。然而，在車庫音樂幫
助另類金屬更豐富從而獲得了大量聽眾，特別是當更多的有闖勁的樂隊逐漸考究他們的音色後
，另類金屬開始成為90年代重金屬中最流行的風格。當它表現出幾乎最少重金屬分類類型的時
候，它的形式和80年代早期的另類金屬就很不大相同了。同時，大部分倖存下來的硬核朋克樂
隊都已轉入到了金屬領域的潮流，推動了地下重吉他搖滾樂隊在別處找尋靈感。最早的帶有重
金屬風格的另類金屬分為前衛搖滾（Janes Addiction, Primus），車庫朋克（Soundgarden,
Corrosion of Conformity），噪音搖滾（the Jesus Lizard, Helmet），瘋克（Faith No More, Living Colour），說唱（Faith No More, Biohazard），工業（Ministry, Nine Inch Nails），迷幻音樂（Soundgarden, Monster Magnet），甚至是世界音樂（later Sepultura）。這一切的演變並沒有在一個特定的場景下發生，只是不斷增長的想去嘗試已經形成的那種越來越依靠樂器的純演奏形式。一些這樣的樂隊終於在大眾中獲得了很大的影響力，特別是通過巡迴演出，並且他們還為在1993-94年逐漸顯露的另類搖滾奠定了基礎，形成了以Rage Against the Machine 和Korn為代表的說唱金屬，以Tool為代表的不協調音樂，以White Zombie為代表的重。。。。和以Nine Inch Nails為代表的流行突破。這些樂隊將成為在剩餘的90年代期間連同Pantera那種有別於任何鞭撻金屬樂隊的粗厚，溶解的即興重復風格在聲音的製作和另類金屬類型的風格上最具影響的力量。像很多另類金屬樂隊，Pantera是嚴肅的，陰冷的和內在的，但是他們示範了關於此如何具有男子的氣概。在90年的中後期，大部分新的另類金屬樂隊開始玩起了把單一鞭撻，說唱，工業，硬核朋克和車庫混在一起的風格。這種新的聲音更多的包括了比hooks或memorable riffs更多的碾核特徵和劇烈進攻，因此更多地依靠工作室錄制完成它所展現的力量；然而，它俘獲青少年那種隱藏的主流金屬所代表的男子氣概，從而成為一種商業崇拜。Korn, Marilyn Manson, 和Limp Bizkit這些有時配以aggro-matal, nu-metal, 或者(incorrectly) hardcore內容的樂隊是這場新運動中最大的明星，並且在這十年的末期，無數新的樂隊開始表演那種類似80年代後期微金屬分支的帶有成年性質暴力行為（ironic, given alternative metals vehement rejection of hair metals attitude）的風格。

Alternative Pop/Rock（另類流行/搖滾）
另類流行/搖滾在本質上來源於80年代中期到90年代中期的後朋克樂隊，雖然另類搖滾之中有
很多種音樂形式，但是他們被放到了一起因為他們都有別於主流的音樂形式。在另一方面來說
，以Nirvana在1991年的成功可以劃分為兩大類另類流行/搖滾。在80年代，許多另類樂隊都是
獨立的，因為他們的音樂形式使他們無法得到更多的來自主流的支持，這在80年代包括流行舞
曲，後硬核朋克，瘋克金屬，流行朋克以及試驗搖滾的所有形式；另一方面，自Nirvana在90
年代變得流行以後，另類泛指所有的非主流亞風格類型，但是區分並不一定很明顯因為有些變
成了主流音樂商業市場的一部分。硬核和復興朋克音樂變得比導致了80年代後期的另類流行/
搖滾的流行樂更能贏得商業市場，因此90年代的另類音樂失去了一些原本另類音樂的本質特徵
。許多試驗樂隊的風格轉變成獨立搖滾。

Alternative Rap（另類說唱）
另類說唱主要指那些hip-hop組合中拒絕附和傳統老套的說唱風格的一種音樂，比如gangsta
、瘋克、貝斯、硬核和聚會說唱。然而，另類說唱時一種極為模糊的音樂類型，它吸取funk、
流行/搖滾、爵士、靈歌、reggae,甚至是民謠。盡管Arrested Development和Fugees力圖成為
主流音樂，但另類說唱的組合主要還是被另類搖滾的歌迷簇擁著，而不是hip-hop或者流行音
樂的歌迷們。

Ambient Pop（氛圍流行）
氛圍流行結合了寧靜和歡快兩種不同的音樂風格。氛圍流行擁有來自普通傳統流行樂的風格
，它是電子音樂結構和背景氣氛折射出外界的寂靜，和一種沉思的氛圍。氛圍流行是典型的沒
有刺耳音符的代表音樂，使德國搖滾令人陶醉的韻律受氛圍流行的影響很大，甚至有點催眠的
作用。本質上來說，它是夢幻流行音樂在shoegazer運動中覺醒後的延伸。盡管大多數仍舊使
用原來的樂器，通過吸收電子音樂的方式，包括樣本作品等，再對音樂給予了詮釋。

Ambient Techno（氛圍數碼）
氛圍數碼是一種考究而特別的氛圍室內音樂，它通常被很多音樂家採用，如B12、早期的Aph
es Twin、the Black Dog、Higher Intelligence Agency和Biosphere等。它是音樂家們通過808和909型打擊樂器來劃分數碼和電子中曲調和韻律的合成的的依據；效果好的、聲音尖細的是電子的效果；另外曲調和合成錄音——和著高聲的、分層的、帶著潮濕的氣息，卻沒有打擊樂和實踐性的氛圍。大多數被命名為Apllo、GPR、Warp和Beyond，在Warp重新定義它的"人造
智能"系列後，氛圍數碼在學術上又稱作"智能數碼"（盡管音樂風格在大范圍內依然沒有改變）。

American Punk（美國朋克）
美國朋克根源於60年代的車庫搖滾，在音質柔和和現代愛情中有極簡潔派藝術風格特徵，它
的幾支樂隊——傀儡,the MC5,紐約娃娃——在美國朋克的基礎上發展成真正意義上的朋克搖
滾的種類。但對美國朋克真正開始於大約1975-76年的Ramones。在紐約，美國朋克得以繁榮和涌現，類似的音樂在美國路易斯蓬勃發展，並且向硬核朋克方向積極發展，在Cleverland,它
得到了帶有實踐性的幾乎不可思議的發展。一部分原因是由於缺乏媒體的注意；在波士頓，它
比真正的朋克更接近於車庫音樂。紐約仍舊是美國朋克的中心陣地，然而，它卻以大批著名的
有影響力的藝術家為特色：如Television,Richard Hell,POatt Smith,Blondic,Talking Heads,轉移到Cleverland的Dead Boys等，在80年代，美國朋克開始枯萎並發展成一種新的形式：硬核搖滾，新啦浪潮和另類搖滾。美國朋克沒有象英國朋克那樣滿足後繼的流行音樂革命的需要，但是它繼續滋養著美國地下搖滾近10年的時間，並且在90年代加利福尼亞洲中心依賴Ramones，又將使其成為盛行的音樂。

American Underground（美國地下）
在20世紀80年代初，當第一支朋克樂隊開始露面並且當另類金屬通過英國前朋克開始日益占
據樂壇優勢的時候，一些美國的樂隊開始製作新的音樂用以對那些發展起反作用。當朋克日趨
成熟的時候，美國地下樂隊逐漸傾向於喜好寬廣的音樂風格（重型搖滾，迷幻音樂，傳統搖滾
，民謠搖滾和鄉村搖滾，他們的影響是最普遍的），雖然他們通過無需特意宣張的電吉他和抒
情詩般的風格繼續占據統治的地位。這些樂隊也傾向於喜愛獨立的組合和低預算的巡迴演唱，
自從他們全部都幾乎不被主要分類音樂理睬，這從而強迫他們去尋找其他的方法來維持他們的
音樂。當他們成為硬核朋克的先驅時, Blackk Flag因其通過長達數年的艱苦練習有效的創造了獨立的巡迴演唱網所以仍然是美國地下音樂的主要開拓者；這個樂隊的標簽和超音速演奏風格也同樣是至關緊要的影響，通過像Minutemen, the Meat Puppets, Husker Du, Dinosaur Jr.,和其他在推動不知名的朋克樂隊進入新的，刺激的方向中起主要作用的樂隊來大批量發行唱片。Midwest吸收了Minneapolis瘋狂但是真誠，the Replacements和Chicago殘暴的高聲喊叫，Big Black和Naked Raygun贏取了相當大數量的崇拜者的實力被證實為美國地下有效的滋生地，當Sonic Youth和the Swans成為當時東海岸上不諧和音的統治者和德克薩斯迷幻噪音的代表，the Butthole Surfers 在美國留下了恐怖的軌跡，並且Boston Mission of Burma在它們短暫的生涯中同時推動了巨大的影響力和預見力。在80年代中期，最初商業突破的R.E.M，立刻給美國地下一個新的視角。在90年代早期，對於一些重要的美國地下樂隊的艱難工作和相對意義上的成功最終被證明成為了這場運動的解散；許多這場運動的主要行為被其帶有成年的標志給驅散了（它們失敗在沒獲得大量的觀眾，盡管他們在歐洲贏得了一定的進步），而且通過Nirvana在1991年底的風格突破，地下樂開始慢慢分裂，極大程度上分裂為另類搖滾（因為他們有更好的商業利用價值）和獨立搖滾（因為他們很少去模仿他人，有自己的風格）。

Arena Rock（舞台搖滾）
舞台搖滾發起於70年代中期，當重型搖滾和重金屬樂隊開始贏取了聲望。這種音樂因其引以
為傲漂亮的旋律和贊美詩般的合唱形式逐漸成為商業導向和廣播電台的寵兒，當然還有他們把
重型搖滾和普遍的認知的民謠結合起來。大部分這些樂隊是通過他們大量的把唱片發送給FM電
台和持續的巡迴演唱會爭得了他們大量的樂迷。如Journey，REO Speedwagon，Boston，Foreigner和Styx就是通過此來成為70年代中後期最流行的樂隊。

Aussie Rock（澳洲搖滾）
澳洲搖滾並不是指所有來自澳大利亞的搖滾樂隊。反而，澳洲搖滾是那些在酒吧演奏鄉村音
樂的樂隊在傳奇性的激烈競爭中形成的一種強硬的硬核音樂。在本質上，在神聖音樂里的不同
，依然有它藝術的美，像the Celibate Rafles,AC/DC和子夜石油樂隊等。

Big Beat（重打擊樂）
把電子音樂從下滑的實驗邊緣營救起來，重打擊樂以下一波的重純音樂出現在90年代中期。
在1994世界各地的區域性的錢財已經著重於較少內涵的跳舞音樂方面，用以對同時期那些迷戀
於鼓，貝斯和實驗形式的chin-stroking intellectuals做出反擊。重打擊樂通過其明晰的樂章最終在1995-96年左右結合了兩大英國標志----Brightons Skint和Londons Wall of Sound.前者---以Fatboy Slim, Bentley Rhythm Ace和Lo-Fidelity Allstars創在出的釋放的家園---獲得了越來越多的名譽在其創新和音樂質量上，盡管Wallof Sound在較早時被發現並且通過Propellerheads, Wiseguys和Les Rythmes Digitales大量發行單曲。重打擊樂很快被證實它在美國同樣很流行，並且樂手依靠City of Angels Records和英國的風格獲得了更高的名聲。除了Fatboy Slim，其他重打擊樂的巨星便是the Chemical Brothers 和Prodigy這兩個創造了此風格和幫助它產生的樂隊。The Chemical Brothers和Prodigy這兩個樂隊從不去死板的適應對方，給予作品那些常能反映出更多trip-pop優點的智慧，並且很少用真正打擊樂那種愚笨的舞台風格。重打擊樂的聲響效果，是在舊學校派對上更無拘束適當放鬆的嘗試,是和舊學校說唱一樣在80年代後期懷舊的音樂形式，並且它傾向於愚蠢的形式和無法壓抑的破裂。盡管設計和大量的生產超越了他們的前輩，但是重打擊樂在90年代後期仍然被指責為破壞了純電子音樂。甚至當Chemical Brothers, Prodigy和Fatboy Slim的唱片沖擊了美國並且贏得了正面的肯定---得到了搖滾評論家的認可---然而在世界范圍內，許多舞曲的樂迷堅決抵制那些太多依靠巧妙的演奏技巧的風格。重打擊樂持續了相當長的驚人的時間，被定以一種風格，這種風格是建立在聽眾聽同樣的破裂聲許多次所表現的耐性上的，就像DJ們在地方簡陋的小商店裡尋找感興趣舊的經典的唱片一樣所表現得耐心。

Blues-Rock（藍調搖滾）
很多早期的搖滾是基於藍調的，但是直到60年代後期，藍調搖滾仍沒有完全發展為一種被認
可的流派。藍調搖滾著重於兩種明確的特徵---傳統的三和弦藍調歌曲和樂器的即席創作。結
合了小型爵士樂隊和搖滾不斷擴大的喧鬧特點，傳統的藍調搖滾---像Cream那樣由Alexis Ko
rner 和John Mayall的傳統的英國藍調風格而來的樂隊，又如美國the Paul Butterfield Blues Band和 Canned Heat—也嘗試著演奏在爵士唱片和藍調演唱會中司空見慣的長的即席創作。這種混血兒很快就流行起來，與此同時很多樂隊立刻開始模仿他們，甚至比他們更喧吵和更多的重復段。在70年代早期，藍調搖滾和硬核的界限越來越不清晰了，像以爵士樂為基礎的ZZ Top就吸取了專輯搖滾作品的表演手法用以模糊他們的藍調根源。不論如何，藍調搖滾逐漸遠離了硬核，並且有一部分的樂隊仍繼續演奏，重寫和創作歌曲按照藍調的標准。在80年代和90年代，藍調搖滾比6，70年代更為堅定，即使當如Fabulous Thunderbirds 和Stevie Ray Vaughan這樣的樂手玩弄起了搖滾演奏者身份。在80年代，藍調搖滾已經成為像藍調一樣被認可的傳統。

British Blues（英國藍調）
除了在地理位置上的差異外，50年代後期和60年代早期出現的初期英國藍調，通過一種對藍
調創始人尊敬的情懷，固執地依附在美國藍調類型中。到60年代中期藍調復興時，英國的吉他
手們——主要是Eric Clapton——開始用他們自己的合成樂拓展一種新的形式。B.B,Albert和
Freddie King用功率大的擴音器將音量放到最大，烘托出婚禮中的熱情。英國藍調廣泛的結合
了藍調搖滾，曾經的傳統藍調藝術家，如Rolling Stones和Clapton成為搖滾明星。與美國的搖滾比較來說，英國風格也許是與之聯系最緊的。正是這種不斷地變化，同時又保留著老的風格和主流使它進入了流行市場，這正是英國藍調的特徵

British Metal（英國金屬）
單單來看英國金屬，是和朋克搖滾一樣具有巨大的反動力在70年代中期緩慢發展的重金屬樂
隊領域。通過Black Sabbath所表演的grimy riffs形式，英國金屬這個風格比他們的前輩更為快速，強硬和喧鬧。常常穿著皮衣來玩快速，重擊重復段，他們遠離了在70時代早期的重型搖滾領域占據優勢的AOR-oriented metal風格。Judas Priest, Iron Maiden 和Motorhead都是這張變革的領導者，他們在歐洲和美國贏取了忠誠的跟隨者，即使他們沒有參與主流 他們仍然為所有的金屬樂隊從鞭撻到死亡搖滾，製造了一定的音樂氛圍。

British Punk（英國朋克）
盡管英國不是朋克搖滾的誕生地，它依舊是朋克音樂盛行和產生文化碰撞的地方，緊緊把持
住其與美國在表達憤怒和叛逆上的不同思想。英國朋克通過酒吧搖滾樂章中的傳統搖滾和任何
舞台效果的搖滾形式來得到靈感的，但是最主要的催化劑是早期的紐約朋克如the Ramones 和
the New York Dolls。在一個有等級意識的國家誕生並與經濟低迷期的抗爭，朋克似乎對正是
這樣一種結構的英國社會造成了威脅，說出了情緒激動的下層階級和憤青們的心聲。它就是通
過高聲的喧吵，快速的節奏以及最真實地面對現實來做到這一點的。第一個並且是最具影響力
的英國朋克樂隊就是Sex Pistols，他們在1976年出現，並且通過直接煽動造成了很快速的影
響以至於所有的英國朋克樂隊都緊隨其後。他們的率真，自然，大膽破除吉他重復段的特點為
英國朋克描繪了很好的藍圖，他們帶來的感官刺激，諷刺顛覆般的花言巧語是他們在公眾壓力
下成為了魔鬼，甚至在大街上都遭到了人身攻擊。另一個關鍵的英國朋克樂隊便是the Clash
，他們不僅僅是史上最具空想主義的樂隊，而且還是音樂上最折衷的樂隊，把早期的搖滾和瑞
歌舞結合了起來。但在早期的時候，這種風格很多變的：the Buzzcocks譜出了帶有詼諧浪漫
標志的緊湊的流行朋克的曲調；the Jam用適當的改變英國青年們的慶典音樂緩和了他們的社
會批評；the Damned一群暴動分子，他們擊敗了the Sex Pistols法系各地一張英國朋克單曲
（"New Rose）；X-Ray Spex的顯著特徵則是它們的成員都是女性。不管他們音樂的收發貨這
個詞的主題，能讓其他英國搖滾樂隊分享的是鮮脆的能量，對那個時期停滯的主流音樂的厭惡
之情以及讓每個人能完全釋放的動力---拋去他們的演奏技巧而言---能夠隨意用樂器演奏，在
舞台上任意發揮，宣洩他們想說的一切和猛擊出一些刺耳的噪音。The Sex Pistols 和the Clash都是主要的標志，唯一可發泄的出口；無論怎樣他們自創的審美學在英國引起了獨立自由音樂的繁榮。第一階段英國朋克伴隨著the Sex Pistols在1978一月份的解散而中止了，但是這種風格仍舊繁盛---它的音樂是朋克的標志---直到1982年左右。在那段時期，殘留的原始朋克已經擴大了他們的音樂風格，並且英國朋克本身已經變異和分裂成一些其他的流派，如流行傳統的新潮，藝術挑逗的前朋克，冰冷陰暗的歌特搖滾，無政府的硬核朋克和早期的另類搖滾。

Britpop（英倫搖滾）
The Beatles 確立了很長時期的英國傳統和諧的音樂，吉他流行樂隊，是一種通過音樂運動
時常更新的傳統形式。然而英倫搖滾採用了很多90年代那些比之前任何時期對傳統音樂的使用
都要多的樂隊。盡管這個音樂形式起源於英國音樂獨立時期，但是英倫搖滾有很大的商業價值
---著類型的樂隊可以有經濟上很大的報酬，他們是閃亮的，容易讓人上癮的，就像主流流行的歌手們一樣，並且他們為新一代英國年輕人的生活創造了新的精神環境。它被英國的年輕一代瞄準：因為英倫搖滾甚少關心其路線是否會使自身較難被美國聽眾接受，從而使英國年輕的一代充分感覺其唱出了他們的生活，他們的文化和他們的音樂追求。英倫搖滾年輕的活力和渴望公認的特點不僅對90年代早期低調shoegazer風格樂隊的老一輩樂手有沖擊作用，還對美國陰沉的車庫以及在新崛起的地下電子舞曲背後搞創作的樂手有一定的影響力。從音樂上來看，英倫搖滾沿襲了the Beatles，當然也融合了60年代晚期Kinks的田園之聲，中速音樂（the Who, the Small Faces），70年代的迷幻（David Bowie, T.Rax, Roxy Music），朋克和新浪潮（the Jam, the Buzzcocks, Wire, Madness, XTC, Squeeze, Elvis Costello），還有the Smiths的另類吉他流行。所有的這些樂手都是英國音樂的精髓---他們用明顯的英國思維極大的發揮想像，作詞和有譜曲，這也是他們幾乎沒發和美國的Cult相比以及造成英倫搖滾形式單一的一大因素。在影響中分裂後，英倫搖滾已經在曼切斯特擁有了他們最迅速的根基，那是個強調好時機和偏重於shoegazer美學易記曲調的地方。The Stone Roses的頹靡流行風格和搖滾明星的姿態是英倫搖滾創立的主要部分，但是真正意義上的英倫搖滾之父應當屬於Suede。在1993年他們以同名專輯第一次發行唱片時，他們那融合了glam-rock權威的式樣和Smiths改進後的風格使他們收到了意想不到的出色效果。Suede為之後1994年Blur（Parklife）和Oasis（Definitely Maybe）更強烈的突破開啟了大門，使他們從而很快地成為了英倫搖滾的兩大最流行的巨星。通過前兩者成功，炫目地在樂壇上爆炸而得到靈感，用相似的風格出現的樂隊：Elastica,Pulp,Supergrass, the Boo Radleys也同樣並列於巨星行列。到了1996，只有Oasis真正的成為了美國樂壇主流音樂的明星。1997年英倫搖滾盛行光環的逐漸消失，也就是Oasis在回顧第三張專輯是表現的貧乏和Blurs轉向美國獨立搖滾的時期。然而就是在這場運動中慢慢暗淡的巨星們，也仍有個別的繼續保持強大的勢利，較少的初期傳統搖滾保持古典風格繼續生存。

Club/Dance（舞曲）
舞曲來自不同的音樂形式，從disco到hip-hop。盡管有很多類型的狂熱貫穿整個流行音樂的歷史，舞曲仍在70年代中期形成了自己的風格，就如其靈魂變異為了disco從而使全部的夜總會都專心於舞曲。在70年代後期，夜總會播放著disco，但是在十年的盡頭，disco便已成了許多不同的流派。所有的這些流派都集中在熱舞下，雖然在dance-pop, house, techo以及其他的派生中存在著截然不同的特徵。能讓他們全都集中一體的是他們都強調節奏的風格---在每一種舞曲的派生種類中，強烈的節拍至始至終都是最重要的

College Rock（學院搖滾）
本質上來說，學院搖滾是很大型的另類音樂，它在80年代

㈢ 推薦幾個樂隊

SKID ROW～《SKID ROW》（偏流行的重金屬1989）

AC/DC～《Highway to Hell》（本斯科特的最後聲音）

Megadeth～《Countdown to Extinction》（最喜歡的激流金屬）

Limp Bizkit～《Three Dollar Bill Y'All》（太棒的新金屬）

Cinderella～精選（比槍花經典）

Marilyn Manson～《Lest We Forget- The Best Of》（曼森的精選）

Dimmu Borgir～《Enthrone Darkness Triumphant》（最好的旋律黑金）

Cannibal Corpse～《Butchered at Birth》（純正的美式死亡金屬)

Immortal～《Sons of Northern Darkness》（最正點的原始黑金）

Obituary～《Anthology》（很爽的美國死亡金屬）

Pantera～《Cowboys From Hell》（潘朵拉的第一張）

Metallica～《Ride the Lightning》（很出名的M）

The Cure（許多歌都很好聽的，每張都不錯，很流行很好聽）

Death 一直 是我的最愛，是第一支接觸的過的死亡金屬Chuck也被稱為死亡之父

Deicide 算是最邪惡的了，風格較Cannibal Corpse來說更加多變，最關緊的就是快有剁肉的感覺

Obituary 生死簿偏碾一點但聲音絕對比低吼好聽的多，前幾張專輯甚是經典

Carcass Morbid Angel只能說一般，很大牌的樂隊，不過現在聽真的一般

Suffocation絕對不錯

Vader波蘭的很猛

Nile如果喜歡比較低沉的這支絕對沒錯

像「死胎」，和Disgorge，Murder Squad，In Flames 這樣的小樂隊現在發的太多了，只是聽上去是比較多樣化，比較變態，尤其Disgorge的嘔吐唱腔

Sepultura有人說也算死亡，那我推薦你他們的全部專輯，越往前越好聽！

還有歐洲的「被埋」實在想不起英文名了！超經典，都是當年搜大口磁帶時的經典了！

Opeth做得很怪很惆悵的那種！不知道你喜歡不！

Six Feet Under 做得太蠢太慢適合不甚了解者本人不推薦！

Exhumed 和Avulsed每張專輯的封面都能體現出他們的殘忍！遠比Cannibal Corpse的卡通畫爽的多，哈 很猛

等等等.....不在這一一列舉！不過聽完死亡你就絕對它還不夠極端了，一下是黑金屬部分（今天正好有空....多扯點）

黑金屬

EMPEROR每張專輯都很不錯！

Bathory也不錯，早期是比較原始的黑金，後期的應該你會喜歡。

Borknagar裡面也多了很多本民族的音樂元素

Dimmu Borgir應該不會不知道的，與Cradle Of Filth同樣大牌的，早期有幾首很漂，有一張早期合集《挪威之王》里能找到！其中也包括了Ancient，Arcturus這樣的傳奇樂隊

Dragon Lord，Epoch Of Unlight，Summoning，Sentenced搜一下這幾個樂隊，都比較新，混合更多的元素

Siebenburgen中的女美聲很漂！偏重吸血鬼文化！

其他的幾只不錯的黑金也一並推薦給你！都偏旋律些
At the Gates
Dissection
Hypocrisy

Immortal，Mayhem，Mark（個人的最愛）很原始不過很喜歡，並非Darkthrone，Dark Funeral之類的純原始不修飾

世界最具影響力的五支重金屬搖滾樂隊
Heavy Metal（重金屬）

重金屬是在音量，男子氣概和戲劇化風格上最為極端的。在重金屬聲音的體裁上有很多的變種，但是他們都通過在喧吵的效果，失真吉他的演奏（通常演奏重復段）和簡單，重擊旋律上盡量取得共識。重金屬自從它存在那天開始就不斷引起爭論---批評家從傳統上抨擊了那種故意吸引大部分青少年的舞台劇效果，還有一些保守的組合經常抗議他們所感到的包含有害，邪惡意味的歌詞。盡管有重重困難，重金屬從它的誕生就還是成為了穩定流行的搖滾音樂形式，有足夠的能力去適合這個時期，仍能保持它完美的未被侵蝕的核心吸引力。盡管如美國在聲道選擇上的叛逆的形式，重金屬在很大程度上還是英國的創造物。最初重金屬的種子是在60年代英國藍調運動中被播下的，特別是在那些發覺已很難適應美國藍調natural swing的樂隊中。這種韻律更加沒有規則，增強了電子樂器的使用成為更加重要的特點，特別是通過像the Kinks, the Who, Jimi Hendrix, Cream和the Jeff Beck Group這些創新的樂手。然而，正如可提出證據加以證明的那樣，最初真正的金屬樂隊是Led Zeppelin。最開始，Zep演奏藍調曲調比任何人都更為沉重和喧吵，並且通過獲取許多音樂源極很快創造一種以大規模，有質感為代表的重型搖滾。更少精細但是可能更大影響力的是Black Sabbath，他的黑暗，沉悶的吉他重復段創造了一種幻想中的世界末日，充滿了毒品，死亡和超自然的迷惑。接下來被Zep和Sabbath所丟棄的這種風格，很多美國的樂隊在70年代把重金屬更改為更易接近的的形式；Alice Ccooper和Kiss易記的曲調和殘暴的舞台表演；Aerosmith的sleazy boogie；Van Halen的浮華吉他引子和狂熱的派對搖滾。在70年代末期，一些隱藏的英國樂隊號成為英國重金屬新浪潮（包括Judas Priest, Iron Maiden, Motorhead）開始演奏金屬更為快速，傾斜和使用更多恐嚇。他們的出現為80年代新的美國金屬---鞭撻金屬提供了影響力，這個新事物定性於對金屬新主流流行的突破，它的出現是以Def Leppards Pyromania為代表的。金屬在80年代的輝煌期里是最為享受的，由於大量的glammed-up流行金屬樂隊，除了鞭撻金屬樂隊激烈演奏復雜的重復段外，有時會融入些柔美的聲樂作品。像Metallica和Megadeth這樣的鞭撻樂隊形成了狂熱的歌迷從而在車庫脫去了他們流行金屬外衣的同一時間推動他們進入了主流。90年代的主流金屬以一種新的叫做另類金屬的混合物為中心，它（在它有效的商業形式上）通過hip-hop和工業的繁榮期結合了grinding trash和grunge的影響力。其間，地下以更粗糙，陰冷的風格成長，產生了兩種類似的，起源於鞭撻的風格，被叫做死亡金屬和黑暗金屬，他們創作了一些最為重要的研磨，劇烈，超速的音樂和金屬世界從未展示的graphic shock tactics。

2·樂隊：METALLICA 重金屬搖滾樂 的唱片冠軍，死亡金屬。

Metallic，隊如其名，是世界首屈一指的重金屬樂隊，Metallica在不斷的創造著新的音樂元素：Thrash Metal、Death Metal、Speed Metal、Black Metal。 難能可貴的是，在音樂風潮變幻多番的歐美搖滾樂壇，METALLICA一直不曾隨波逐流，始終堅持自己純正的重金屬音樂風格。樂隊的成員每人都深懷絕技，這也正是METALLICA仗以輝煌20餘年在同時期成名的重金屬樂隊早已銷聲匿跡的時候仍然屹立於搖滾樂壇的真正原因。METALLICA是樂壇罕見的幾支由貝司主導的重金屬樂隊，樂隊極具天賦的貝司手Cliff Burton技藝非凡，成為樂隊的核心人物，Burton的言行影響了樂隊的每一個人，他也主導著樂隊音樂個性的走向。1986年他在車禍中喪生，幾乎宣布了樂隊的滅亡。一名打法剛猛凌厲的頂級鼓手重金屬樂隊占據著非常重要的地位，DEF LEPPARD即是因為其單臂鼓手的原因，在演繹較重的作品時總是缺少一分雄壯的陽剛氣息，而METALLICA的鼓手也是樂隊的創始人Ulrich完全符合這樣的要求。聽過METALLICA的歌曲，就會發現他們的主音吉他非常的厲害，幾乎每首歌曲中的大段吉他SOLO都具有非常的難度且極為耐聽。帶著堅硬的歌詞和對鞭撻病態的困擾走著極端路線，死亡金屬是---就像它的名字所暗示的一樣---僅僅是關於死亡，痛苦和受折磨的內容。這些殘酷寒冷的歌詞被不斷喧鬧，重型的重復著。Metallic的唱片張張熱賣，張張經典。

3·樂隊：Guns N' Roses 重金屬搖滾樂 的顛峰 ，硬搖滾。

世界上最著名，擁有最多歌迷的硬搖滾樂隊，他們曾經創下了音樂歷史上處子作專輯的最高銷售紀錄，擁有史上最偉大的搖滾樂專輯之一的《毀滅的慾望》(Appetite for Destruction)，擁有兩張專輯同時成為Billboard 200排行榜冠亞軍的神話，他們是整個世界流行音樂界最耀眼的商業明星。

囂張的歌詞，同時具有朋克的自由主義色彩，樂隊的成員具有十足的地下搖滾樂特徵，骯臟、暴力、頹廢，而他們的音樂則具有喧囂但是出色的旋律，同時擁有旋律非常出色的樂器演奏，特別是主音吉他手Slash和節奏吉他手兼樂隊的核心創作者Izzy Stradlin的吉他演奏，無論是riff段還是Slash的solo都成為歌迷們追捧的對象，而主唱Axl Rose華麗的外形，以及高亢至極的嗓音更是為樂隊征服了無數女歌迷的心，再加上長相帥氣十足但個性特例獨行的貝司手、天生的朋克小子Duff McKagan以及放縱不羈的鼓手Steven Adler，正是這些綜合的元素才讓這支原本不為人知的樂隊迅速的走紅全世界，隨著之後樂隊成功的商業化包裝，更是成為了世界硬搖滾樂界在80年代末到90年代初的最具標志性的樂隊。

4·樂隊：PANTERA 重金屬搖滾樂 的另類領袖 另類搖滾

八十年代早期，那時熱中於重金屬的Diamond Darrell和Dimebag Darrell兄弟, Vinnie Paul和他們的教父Jerry Abbott創建了自己的唱片公司，名字叫作Metal Magic Records。 1984年，PANTERA正式成立，最早的成員是：Dimebag Darrell（吉他），Vinnie Paul（鼓），Rex Brown（貝斯）和Terrence Lee（主唱）。

重金屬是PANTERA 的核心，開始時他們的影響力對於適合地下的鞭撻金屬來說太折衷了，所以他們主要的樂迷都是些喜歡重型吉他搖滾的人。然而，在車庫音樂幫助另類金屬更豐富從而獲得了大量聽眾，特別是當更多的有闖勁的樂隊逐漸考究他們的音色後，另類金屬開始成為90年代重金屬中最流行的風格。當它表現出幾乎最少重金屬分類類型的時候，它的形式和80年代早期的另類金屬就很不大相同了。同時，大部分倖存下來的硬核朋克樂隊都已轉入到了金屬領域的潮流，推動了地下重吉他搖滾樂隊在別處找尋靈感。最早的帶有重金屬風格的另類金屬分為前衛搖滾（Janes Addiction, Primus），車庫朋克（Soundgarden, Corrosion of Conformity），噪音搖滾（the Jesus Lizard, Helmet），瘋克（Faith No More, Living Colou*），說唱（**ith No More, Biohazard），工業（Ministry, Nine Inch Nails），迷幻音樂（Soundgarden, Monster Magnet），甚至是世界音樂（later Sepultura）。PANTERA 樂隊的音樂包含了另類搖滾的一切要素。

5·樂隊：SLAYER 速度金屬的靈魂

SLAYER是美國著名速度金屬樂隊,與金屬、大屠殺、ANTHRAX並稱為THRASH金屬四巨頭。

1982年，吉他手KERNY KING 在洛杉磯郊區與主唱TOM ARAYA，組建SLAYER樂隊，隨後樂隊吸收吉他手JEFF HANNEMAN和曾做過醫院臨床醫生的鼓手DAVE LOMBARDO加入，形成樂隊初期陣容。

起初樂隊主要翻唱鐵娘子和JNDAS PRIEST及一些朋克樂隊的歌。1983年，SLAYER樂隊在WOODSTOCK俱樂部的演出給METAL BLADE唱片公司主管留下了深刻的印象，他請求將樂隊的一首曲子<>收錄在其公司出版的一盤金屬合集<>中,作為交換條件,樂隊要求該公司為他們出費錄制自己的專輯.1983年,SLAYER樂隊進棚錄制了他們第一張LP<>這張專輯一經發行立刻被一些金屬瘋子,甚至於美國和歐洲雜志稱為經典之作.作品中關於魔鬼的素材,獨特的尖叫和銳利的吉他獨奏成樂隊今後作品的特徵.

作為英國重金屬新浪潮與硬核朋克的交叉，速度金屬極其地迅速、極具研磨性、而且對技術有著很高的要求 --- 因為樂隊一方面要演奏得很快，一方面又要使彈奏准確而干凈。從這個意義上講，速度金屬一直都保持了它金屬根源的真實性。但是它從硬核那裡借鑒來的元素 --- 瘋狂而快速的節奏，和反叛的自己動手的精神 --- 卻是同樣重要的，因為它們不僅使樂隊擁有了一種獨特的音樂手法，還使他們在圈子外的大批年輕人中樹立了一種極富魅力的形象。因為它是如此激烈，對技術的要求又頗高，速度金屬很快就轉化為了鞭韃金屬，因為後者在節拍、音樂套路、樂器技巧上有更大的發展空間。在 Metallica, Megadeth, Anthrax, 和 Slayer 引領下的金屬樂隊的新浪潮與那些在80年代統治了排行榜的流行導向的金屬樂隊是站在直接對立的立場上的，但他們仍得以在沒有主流媒體、廣播、音樂電視的支持的情況下，成功的培養了一批狂熱而忠實的追隨者，並最終使他們的唱片達到了白金銷量。

㈣ 作為一名酒吧駐場樂隊樂手是一種什麼樣的體驗

作為酒吧駐場樂隊的樂手，你的生活可能比很多朝五晚九的上班的人要豐富很多。之所以這樣說是因為，在酒吧工作嘛，會見識到很多人生百態，酒吧里的故事非常多，作為見證的人也是一個不錯的體驗吧。

總覺得酒吧的駐唱是神秘的，不管是主唱還是樂手，他們在霓虹燈的色彩照耀下，總顯得有點令人覺得吸引。以上是我的一些看法和感受，希望可以幫到你哦。

㈤ 一路同甘共苦的Beyond樂隊最終為什麼選擇無奈解散

黃家駒的離世，樂隊內部的問題嚴重，加上外界各種的言語攻擊導致一路同甘共苦的Beyond樂隊在2005年選擇了解散。

對於Beyond樂隊這個名字，其實很多人都是覺得熟悉又是陌生的，畢竟曾經的歌曲如此火爆最終還是曲終人散；Beyond樂隊的解散其實很早就可以感受到的了，畢竟其中心本就是黃家駒，沒有了他就意味著失去了靈魂。

在各種力量的影響下，Beyond樂隊最終還是在2005年選擇了放手。

㈥ 如何進行高效的樂隊排練

Jonathan Feist 【譯者註：方括弧裡面是我自己寫的，有的是吐槽，更多是自身經驗的補充】 樂隊的排練有多種方式，而選擇怎麼排取決於你們的目標——是長期的還是短期的。目標清晰，樂隊才能有集體前進的方向，保持團隊的共同進步。低質量的排練會導致有的成員感到排得沒效率、浪費時間，甚至覺得樂隊整體誤入歧途，陷入迷茫，而高質量的排練則反之。 事前有計劃，是高效排練的關鍵。所有成員在排練時都該有備而來，並且重視每一段調子，如果有一段主要是你負責，那你最好在事先給成員們分發些譜子，甚至是一小段錄音，這樣他們就能有充足的准備時間來針對你這個調子進行各自的編排。（詳細的閱讀可以參考《Berklee Practice Method series》）【這里提到的《Berklee Practice Method series》系列書籍是本文作者編輯、參與寫作的一套專門指導電聲樂隊排練的書，按照吉他、BASS、鍵盤、鼓等不同部分分別編撰有分冊，不同分冊裡面的所有示範曲目都一樣，只是根據所需樂器的不同，譜子不同】 可以通過傳遞目標清單來預先交流排練計劃。為了更好的提出一個切實可行的計劃，想像完成3個小時的排練後，你們能不能完成2、3首新歌，要是覺得必須花更多時間，應該在2、3小時後有至少半小時的集體休息時間，並且每排練一個小時，也要小歇幾分鍾。主唱和管樂器的樂手通常需要更頻繁的休息，萬一過度的演奏使他們身體受傷了，可能就要花幾個星期才能康復，得不償失。另外，需要額外的時間預先准備的樂手理應早到，比如鼓手就要事先調鼓、裝鑔片，撥弦樂器（吉他BASS曼陀鈴等）也要花時間接插、調弦，吹銅管樂器的也需要熱身。每個人都要知道自己到底需要多少准備、熱手時間，所以要有針對性的預備，以免耽誤他人。 【補充：原文這部分沒有具體寫在排練室調音的事情，我大概補充下：接線的時候有序不要亂，電源線、樂器線排布要盡量清爽整潔，繞開人經常踩的地方，避免由於線頭的突然脫落發生意外；各個樂器調弦、音色等做好後，請以鼓的音量為參考集體調整音量，確保每個樂器部分都不被鼓聲掩蓋，因為不少情況下，鼓聲音量是很難調的，而即使是拾音進PA，也盡量參照鼓，特別是BASS。地鼓的拾音請不要太大聲，而且吉他和BASS音箱的低頻也要注意不要太多，很多時候我們覺得低頻不夠猛，是因為吉他、BASS、鼓的點撞得不夠齊。另外，吉他音箱盡量往齊胸口左右的高度擺放，避免開出太多高頻。當在沒有PA的排練房排練時，如果你覺得某樂器音量過大或過小，可能是站位問題，調整下你的位置或者音箱排放的角度都有改善，不要一味的直接調整音量——這種情況下，音量是由站在中心的主唱和坐後排的鼓手決定的，即使你覺得仍然有問題，也請尊重其他人的耳朵。】有的樂隊喜歡以JAM【JAM意為許多樂手即興共同演奏】一段blues或者其他簡單的律動、抑或大家都熟悉的曲調來開始排練。這可以很快的為你的樂器和身體熱身，並且利用音樂和其他隊友打招呼。JAM個十幾分鍾就差不多了，然後開始辦正事。JAM一般很愉快，但是小心不要弄太久了。 一般排練時間計劃要2~3小時。中途留時間休息，還可以備一些飲料和零食，以免有人走神【原來吃的和喝的還有這種神奇功效】。最好不要飲酒，除非只是單純的想躁一下、玩得嗨。 有條件請錄音【這是指當場錄下排練的結果，不是進棚】。有的樂隊喜歡把整場排練從頭錄下來，有些則只錄排好了的、完整的那一兩首。這個錄音就不用太注重音質，一個普通的麥克，一個筆記本或者其他便攜錄音設備就夠了。你需要錄的，除了整首以外，通常是一些尚需改善的編排、律動，這些是每個成員事後可以針對練習的材料。最好你能夠盡快在排練後把這些錄音都分發下去，轉成MP3格式最方便快捷。如果你是負責錄這個的，那最好請在其餘隊員出現前把錄音設備擺放好。錄音的目的是為了最高效的利用各人的時間，所以就盡量不要讓錄音環節干擾什麼事情。【個人經驗：錄音真的很有必要，所謂不識廬山真面目，只緣身在此山中。錄音幾乎可以客觀的暴露所有問題，大家試試就知道了】下面是一些排練方式的例子。很多排練也無非如此，但是這些不同方式的不同目的都能在不同方面對你們樂隊的宏觀目標產生深刻影響。第一種，JAM JAM一般可能會彈各類風格的音樂，而且我們通常不做返工，感覺就像在不正式的隨意表演一樣。 表面上看，JAM彷彿只是彈著好玩，實際上JAM有很多作用。JAM時能有不少機會製造新的律動，能夠對總體音響做調節，能練習如何與其他聲部交流，能試聽很多新材料，當然還可以更直接的體會到一起玩音樂的樂趣。JAM還能拓展你的音樂思路，磨礪你的老繭【囧】，甚至實驗一些平時不會用到的瘋狂的想法——有時候有奇效。這時失誤常常不重要，重要的是內心的感覺。想野外燒烤？那完全可以帶上你的樂隊去JAM。 要使JAM更有意義而不是沒章法的亂彈，那麼所有成員都要能跟著音樂走。意思是說，要麼這個調子大家可以提前熟悉，要麼就是它的框架實在是比較簡單好記。所以可能要事先發一些材料給大家，除非你們是以溫習什麼為目的。不然的話，一不小心就覺得是在彈口水歌【原文是campfire song……我就這么翻了】，而不是真正需要學的新東西。 假如你是一個JAM的主持者，提前發一些lead sheets【一種只是粗略的記下結構、和弦、律動、小節的譜子】給大家，MP3小樣也行，然後在人到齊的時候有些額外的備份更好。而如果你是一個JAM參與者，那就需要盡量的熟悉這個調子，有針對的大致准備些solo，一些伴奏段子——這些都是你要私下提前完成的任務。無論你是負責什麼樂器，都盡量要能彈奏旋律、和弦、低聲部等。有時候JAM會需要一些視奏，特別是有寫歌的人想試試他的新想法。總之，有備無患。 如果你們的樂隊只玩JAM，並且對你們來說JAM才是音樂最大的樂趣，這都沒關系，除非你想把你的技術運用到將來的正式演出當中。JAM並不在乎細節或者對演出的雕琢，因此要做這些正事的話，還是好好練歌吧。 【上圖即是所謂 lead sheet，實際上使用的可能更簡單，連線譜都沒】 第二種，排練新歌 練歌和JAM相反，是要認真練習、排出新歌的，是要注重藝術表現、演繹細節的，更是為了演出和進棚錄音做准備。是應該集中精神、有組織安排的排練方式。 這就又要說一次需要事先准備了。如果是翻排其他人的現成作品，那每個人都要有個原版的音頻，並且扒歌，扒得有多精確就看自己了【有時候有譜子，那事情會變得簡單，但是為了進步，還是盡量去扒一下吧，再說譜子也經常有不準確的】。盡量避免在一起排練的時候，大家為了你這一個樂器的某一段花太長的時間——這是坑人坑己的行為。你會覺得這些地方雖然可能是比較困難、比較關鍵，但對歌曲來說卻是亮點——即便如此，為了集體也要爭取花最短的時間完成。自己的認真准備，對高效的排練是最有幫助的。 如果是排原創，那麼主創人員應該做一個小樣，哪怕很粗糙都行，給隊員們關於拍速、律動等相關信息，這才能在排練之前充分利用好各個成員的時間。下面是一些排新歌的常用方法。 a。從副歌開始著手。副歌一般來說【注意是「一般來說」】比主歌要簡單，而且副歌經常重復，在排練其他部分的時候，一旦到了副歌，你總是知道該怎麼演奏，有「回家」的感覺。 b。找到難點各個擊破。減慢速度，一遍一遍的排，直到你們可以完美的演奏了，再開始加速。然後以此類推。【減速真的很有用處！】 有時幾個關鍵性的樂器分開合奏某一段很有幫助，例如只有吉他+BASS，或者吉他+BASS+鼓，這樣可以減少其他樂器聲部的干擾【這個辦法大家可能經常會用到】。當然，聆聽其他人的聲部也有助你找到自己的部分。不要忘了SOLO練習【由於solo的樂手彈奏的部分節拍通常不整齊，所以如何在solo的時候大家仍然保持「合拍」是需要專門針對練習的】。 不要在一個特別難的地方陷得太久了。有時可能只有說「我還要回家多練下這部分」，隊友這時也一定要包容。要是下一次這里還是難以拿下，那就簡化吧，也比在演出的時候演奏得分崩離析好。 d。一旦整隊都能完整的演奏這首歌了，就可以多談論下編曲了。問題類似於：需要彈幾遍副歌？有無前奏、間奏、尾奏？哪些地方停頓？何時何處需不需要SOLO？如果你是主持排練的，那麼請帶上紙筆，確保所有人對結構、編曲要清晰，哪裡有什麼變動也要牢記。有歌詞也盡量人手一份，即使不唱的也要有。歌詞常常也是提示歌曲編排的重要部分。【好記性不如爛筆頭，ahhuang保持這個習慣多年了，覺得很實用】 e。一定確保你自己可以基本完整的彈下來【因為有時候雖然樂隊能一起彈完但是自己其實還是對結構比較馬虎的】，在需要的時候要慢練。然後就向著全隊完美通曲演奏努力吧。 不要為了一首歌練太久了，如果超過了一個小時還是覺得困難，那先把目前的情況錄下來，進行下一首（除非你們今天任務僅此一首）。這可以避免你們的排練變得枯燥又令人沮喪。【排練的心情很重要】第三種，綵排！ 在正式演出之前，一定要安排時間綵排——爭取能把所有歌曲通排一次，並解決最後的一些問題。 先要合理安排你們和設備的位置。接線、調音完成後開始像正式演出一樣演奏——無論發生什麼失誤都不要中斷，演完一首聽一聽觀眾或者組織人員的反應，對演出效果和失誤做改善和糾正。【譯者補充：電源、排布的問題要優先解決，比如功率能否承受，插線板夠不夠，樂器線長度夠不夠、排線怎麼合理等，有專業人員負責除外。

㈦ 什麼是後搖

搖
滾樂從本世紀中葉發展至今，想想也快近半個世紀了。然而搖滾樂到底是什麼？或許到目前誰都還無法用任何的描述做一完整的定論；因為有人認為搖滾樂就是從當
初的爵士、藍調、民謠逐漸演化融合而成的混雜樂種；然而也有人認為搖滾樂當初就是稟著一種叛逆精神、生活態度或是一個觀念而已。但不論如何，"Rock
Music"在經過四十餘年各種類型流派的萌芽與茁壯，才使得搖滾樂在今日得以呈現出這么多樣的風格與類型出來。

一般而言，搖滾樂在進入九十年代以後，可說是承繼了八十年代的面貌而更加茁壯豐饒，許多新衍生的音樂類型或名詞接連地出現並具體描繪出屬於九十年代的音樂新世代。甚至我們可以說，搖滾樂進入九十年代之後， 到處充滿了未知的潛力與無法預期的新勢力。

【Post-Rock名詞的出現與爭議】

大
約在95年，美國村聲雜志刊載了一篇由英國樂評家西蒙·雷諾茲（Simon
Reynolds）所寫的文章，而文中，這位西蒙先生主要是企圖想描繪出，在九十年代中期，一群以"Drag City"、"Trill
Jockey"、"Too Pure"這幾個廠牌為主的地下樂隊的音樂，而他們不管是在樂風或觀念上，主要是以酷派爵士（Cool
Jazz）、即興爵士（Free Jazz）、環境音樂
（Ambient）、雷鬼音樂的混音技術（Dub）再加上七十年代的前衛搖滾（ProgressiveRock）和Kraut-Rock等多重風格來做為
他們在音樂創作實驗的基本要素。而在此一大范疇下，恰好當時的芝加哥市、英美兩國及歐洲各地，均有一堆當地的地下樂隊符合西蒙先生的描述，而他在文中便首
次以"Post-
Rock"一詞，暫時統稱這些勇於突破現有搖滾樂定義的前衛團體。沒想到，過沒多久，一些音樂雜志便以"Post-Rock"來正式稱呼這群致力於搖滾樂
新美學的新生代樂隊。

不過後搖滾（Post-Rock）雖然已經先有了一個較為正式的稱呼，但其實在最初的時候，許多音樂雜志對這一群人
所玩的音樂基本上都還是無法做一定論。像是滾石雜志當初在介紹這些團體時，還只是用"Instrument
Rock"一詞來稱呼他們，其原因主要是這些樂隊大部分都較偏向純樂器演奏而且也沒有主唱。但有的刊物又因針對其樂風或淵源，於是有人又稱之為
"DroneRock"、"Space Rock"、"Out Rock"、"Neo-shoegazer-
rock"或"Kraut-Rock"等各種名詞。然而，"後搖滾"這個名稱被正式採用，則還是後來英國《Wire》音樂雜志持續有系統的用"Post-
Rock"一詞做大幅度的介紹報導後，整個所謂的"後搖滾運動"才慢慢地傳開來。只不過到現在為止，仍有許多樂評人或被貼上後搖滾樂隊的團體都仍非常討厭
或否認"後搖滾"這一名詞。因為他們認為這一名詞卷標根本都不足以形容他們自己所玩的音樂風格；甚至被視為現今
"後搖滾"大本營之一的芝加哥，在當初的時候，當地的另類音樂刊物或樂評也幾乎不提"後搖滾"這個名詞來形容當時剛崛起的代表樂隊Tortoise或
Sea And
Cake。更甚者，許多樂評家還認為所謂"後搖滾"這個觀念根本早在七十年代就已出現，只是這些觀念還只是蘊含在各種非主流的樂派及幾個關鍵性樂隊中，而
且那時出現的還都只是零散的創作概念構想，而現在只不過經由西蒙先生的一番介紹，才這樣由媒體的運作，就儼然成為新一代的音樂種類?

【Post-Rock的基本概念】

那
么到底當初西蒙先生的定義到底是怎麼一回事？而所謂的"後搖滾"到底又是什麼？它和所謂一般的"搖滾樂"又有何區別？如果說"後搖滾"音樂便如同"後現代
主義"相對於"現代主義"的反動，那麼它主要便是企圖顛覆搖滾樂的基本概念與傳統架構，或是甚至針對整個所謂音樂工業的運作做一消極的反抗。譬如說，同樣
是玩電吉他、鼓及貝斯的搖滾團體，但換到玩"後搖滾"的樂手中，卻可能完全轉變成另一種完全不同的創作觀念。簡略地說，所謂"後搖滾"其實就是一種由概念
或理論去顛覆傳統搖滾音樂創作的模式（如主旋律-橋段-主旋律-橋段）。而如果你聽過一點"後搖滾"的音樂的話，你或許就會發現，他們所引用的理論則大都
是援用所謂"解構主義"或西洋文學理論里頭的"後現代主義"或者"後結構主義"的觀念。也因此，就像十年前南轅北轍的"解構主義"作品一樣，現在你若去找
尋所有的 "後搖滾"樂隊，那你可能會發覺他們聽起來沒有一個樂隊是相近或相類似的風格（或許在他們的腦中，風格早已被 打破或不存在了）。

所
以，當初西蒙先生心裡所想的定義應該是很廣泛的，因為當94年芝加哥樂隊Tortoise和Sea And
Cake發表同名專輯時，這兩張專輯便已呈現出兩種頗為不同的風格：Tortoise深受七十年代前衛搖滾樂隊Can及電子樂實驗樂隊Kraftwerk
的理念影響，但有的作品又直承現代音樂、極簡主義（如Philip Glass）或是Free Jazz大師Miles Davis、Ornette
Coleman 及Sun Ra的影響；至於Sea And Cake，則反而專注於營造漂浮低調的情感；甚至
在"後搖滾"領域較為知名的Stereolab則是大量運用流行音樂的基調，然後再加以解構重組而成另一種風貌的。

【實驗運動失敗的例子】

然
而就在幾年論述交替紛沓的時候，一些情勢跟著改變，Grunge或另類音樂逐漸面臨衰退期，而Electronica則逐漸興起。那時候西蒙先生視為新的
音樂創作手法的概念，如今卻已經變成時下電子音樂的基本技巧與常識；從新世代青年代言人Beck到電子樂新寵Massive
Attack、Prodigy或Chemical Brothers
等，或多或少都應該受到這些"後搖滾"團體的啟發與影響。結果，後搖滾運動及當初被西蒙先生所指涉的樂隊，不得不朝著更艱澀前衛的方向走去，甚至導致有人
已將這個運動視為一個實驗運動失敗的例子。

但盡管在這樣嚴厲的各方誤解與爭論下，Tortoise、Gastr Del
Sol及Tran AM等芝加哥團體
卻仍還是陸續發表了他們各自的代表作品以宣告"後搖滾"時代的來臨。除了從94年開始從芝加哥獨立廠牌發行的專輯外，Tortoise在96年發表的《
Millions Now Living Will Never Die》後 來被Alternative
Press視為九十年代跨世紀的經典；而冷峻精準的Gastr Del
Sol則在98年的《Camoufleur》被評為"後搖滾"新的里程碑；甚至其它較不知名的歐美團體如Dirty
Three、Labradford、Oval、Ui、Shellac、 Flying Saucer Attack、
Spiritualized、
Mogwai、U.N.K.L.E、Cul de Sac、Spectrum、Third Eye
Foundation等等也都不斷有著讓人激賞的佳作.如果你稍微注意的話，甚至連在去年推出新專輯，美國最具影響力的R.E.M.
樂隊也轉而開始向這些後搖滾團體學習。而其它鼻子較為靈敏的主流團體當然也是同樣嗅到這樣的新趨勢，並看看是否能用在下一張專輯裡面。當然，於是有的媒體
便預測，下一波新的潮流應該就會輪到後搖滾音樂。而這些"後搖滾"樂隊也將會慢慢地浮出水面。只是，這樣逐漸的被主流拉攏，對於一些堅持理想，追求前衛新
觀念的人來講，他們則又再度提出質疑與反對，認為當初這些"後搖滾"團體所實驗出的方法，如今已被使用的太頻繁了，也失去了當初追求革新的意義。（◆注
一）

【最後跨世紀的革命】

不過，撇開那些極端份子不談，話說回來，誠如當初"後搖滾"的"post-"所揭
示的，許多傳統搖滾樂或其音樂工業所產生的現象，在"後搖滾"的樂隊里卻是經常被顛覆的：例如沒有令樂迷崇拜的吉他英雄、吉他樂器在作品中所扮演的角色重
新被定位或削減、沒有歌詞或是根本沒有主唱、常常缺少完美的三到四分鍾歌曲幅度；甚至傳統唱片工業或某些創作者最終的實質目的。一首首永恆經典膾炙人口的
單曲，對這些"後搖滾"團體來講都是興趣缺缺。幾乎所有傳唱片工業所積極運作操控的模式，或是在這意識型態下的創作者態度與動機，可說是通通被逐一地打
破、顛覆及解構。

如果說，所謂"後搖滾運動"真的是相對於舊有傳統搖滾樂起了某種程度上的顛覆，那麼當初西蒙先生所勾勒的未來音樂世
界，其實是針對目前所謂"另類搖滾"時代的窘態而尋找或敞開另外一個新的大門：如同一個回力標沿著它的回轉軌跡，在對搖滾樂發展已經到某個極限時所做的一
種歷史反芻。換句話說，當與樂隊逐漸玩光吉他或四至六人編制的花樣後，Electronica
和"後搖滾"的先後醞讓興起，似乎便可以看成對搖滾樂發展起源的另一次大規模移轉與承起。當然，若是還要尋根的話，91年由美國地下樂隊Slint所發行
的《Spiderland》是一個很好的起點。若是再往前回推的話，除了前面曾提過的樂種外，八十年代的"後朋克"與1977年的紐約"NoWave
Movement"也都脫不了關系。然而，如同這兩年的Electronica，早年受到現代音樂與極簡主義洗禮的諸多電子與噪音實驗樂隊，如今又重新借
著這些後輩新秀得以翻身，而被視為當今所有新樂種的濫觴。另外，當年被許多樂評譏為四不像"前衛搖滾"或"藝術搖滾"也趁此混入許多歐洲崛起的"後搖滾"
團體當中。

新的創作觀念與錄音技術不斷的帶入專輯作品中，樂手與樂隊之間的互通有無，類型與次類型不斷地開發分芽，新的搖滾美學再度重新
被定義。如果，再按照西蒙·雷諾茲（SimonReynolds）所說的，"後搖滾"簡而言之就是將搖滾樂器做非搖滾目的的使用。那麼回首四十年來的發
展，搖滾樂不也向來就是一種革命的音樂？不管是對當年的貓王，還是現在最前衛最先進的地下音樂，對於當時的社會及他們每個世代而言，這些勇於突破的人就都
是相對於當時最革命的音樂了。甚至我們可以說，即使搖滾樂跨入了後搖滾時代，搖滾樂的實踐哲學的本質其實是依然不變的，而只要一天堅持現場表演的真實與物
質性，那麼搖滾樂依舊是搖滾樂。而革命的種籽也繼續在各角落獨自發芽。

看看四十年前草莽的火爆浪子，再看看現在的數字化與電子信息時
代，當年勇往直前活潑亂跳的小鬼們依稀可辨，他們起創搖滾向前闊步邁進的精神仍未熄滅，只不過手持空心鋼弦木吉他早已換成閃亮酷炫的電子設備與樂器，後現
代社會早已來臨，或許這些剛開始成長的音樂，才恰好可以反映與迎接這跨世紀的時代與精神吧？！

◆注一：98年一位Paul
Dickow先生曾為文提出，現今已沒有任何新的後搖滾作品足以讓他感到興奮，也目前沒有新的創作者來挑戰這些後搖滾團體，這讓他感到憂心。於是他接著提
出三個值得思考的概念，以供未來的創作者去努力。 1、將主旋律去中心化； 2、開始採用非豐富表情的樂器來表現；
3、以最便宜的數字化機器做為每個人創作的基本。
Post Rock/Experimental

在90年代興起的深受電聲器樂搖滾影響的實驗搖滾運動中，後搖滾無疑是佔有統治地位的音樂類型。後搖滾音樂中集結了一大堆實驗流派－Krauft-Rock、氛圍音樂（Ambient）、激進搖滾（Progressive Rock）、Space Rock、Math Rock、Tape Music、簡約古典（Minimalist Classical）、British IDM, Jazz (both Avant-Garde and Cool), 和 Dub Reggae，一句話簡言之就是：音樂大部分架構在搖滾音樂上，但是它實質上不是搖滾音樂。
後搖滾給聽眾的音樂感受是與傳統意義上的搖滾樂激勵情感是完全相反的，它的音樂富於使人催眠和聲響低沉單調（尤見於一些以吉他為主的樂隊），即使相對亮色的音樂也使人感到鎮定和醒腦。之所以如此是因為後搖滾當初就是反對搖滾的一種回應，尤其是當主流樂界對另類音樂的同化後更加如此，很多後搖滾樂隊是在一個相同的意識下建立起來的，這種意識就是：搖滾樂已經喪失了自身的真正的反叛意識，並且很難從自身的陳舊模式和空洞姿態的窠穴中自拔。所以後搖滾拒絕一切與傳統搖滾樂相關的東西。

後搖滾音樂著力於純粹聲響和音色遠甚於對旋律和歌曲結構的沉迷，其大部分作品傾向於器樂，即使作品中有人聲出現，也僅僅是作為整體音樂效果的一種附屬。

後搖滾音樂基架的建立是在1991年兩部竭然不同的里程碑作品的發表：Talk Talk樂隊的《Laughing Stock》和Slint樂隊的《Spiderland》。《Laughing Stock》是Talk Talk樂隊從合成器流行樂轉型後的頂峰之作，其音樂是對情境音樂（Ambient）、爵士樂（Jazz）以及簡約室內樂（Minimalist Chamber Music）進行情緒化的、精巧的融合；而《Spiderland》的音樂則是充滿深思的、bass-driven grooves、喃喃的詩化歌詞、晦澀的結構以及極度的音量切換。這兩部作品對很多後來的後搖滾樂隊都產生過影響。

後搖滾一詞則是由評論家所創造的。Post Rock一詞最初是由Simon Reynolds在描述Bark Psychosis受到Talk Talk樂隊影響的氛圍音樂實驗時使用，結果該詞被應用於稱呼那些不曾歸類的從勇於打破既定傳統的樂隊（如Gastr del Sol, Cul de Sac, Main）到像Stereolab, Laika和the Sea and Cake這樣的Indie Rock樂隊（註：這其中不包括Slint樂隊的仿效者）。後搖滾被公眾承認是在來自芝加哥的Tortoise樂隊1996年發表的第二張專輯《Millions Now Living Will Never Die》之後，這部作品也許是後搖滾各種實驗元素所達到的最極至的融合。這樣，後搖滾瞬間就為評論界提供了區分各種此類型下不同樂隊（藝人）及其前輩們的方法，之後後搖滾迅速成為了同時代的獨立搖滾（Indie Rock）的堂兄弟，集中在Thrill Jockey, Kranky, Drag City, 和Too Pure這些廠牌之下。

具有諷刺意味的是在90年代末，後搖滾獲得了千篇一律的名聲，一些人發現這種音樂缺乏感情令人生厭，另一些人認為後搖滾已經沒有了當初的激進融合而變得眾所周知，這其中部分原因應歸咎於許多後搖滾樂隊在他們的最初音樂理念上甚少變化。然而即使在這種倒退的情況下，新一輪的樂隊（the Dirty Three, Rachel's, Godspeed You Black Emperor!, Sigur Ros）以其獨特的聲音獲得了較為廣泛的贊許，暗示著後搖滾這種音樂類型畢竟還未走到盡頭。

㈧ 搖滾風格及造型

Heavy Metal( 重金屬 )
在眾多搖滾的類型中，重金屬是在音量，男子氣概和戲劇化風格上最為極端的。在重金屬聲音的體裁上有很多的變種，但是他們都通過在喧吵的效果，失真吉他的演奏（通常演奏重復段）和簡單，重擊旋律上盡量取得共識。重金屬自從它存在那天開始就不斷引起爭論---批評家從傳統上抨擊了那種故意吸引大部分青少年的舞台劇效果，還有一些保守的組合經常抗議他們所感到的包含有害，邪惡意味的歌詞。盡管有重重困難，重金屬從它的誕生就還是成為了穩定流行的搖滾音樂形式，有足夠的能力去適合這個時期，仍能保持它完美的未被侵蝕的核心吸引力。盡管如美國在聲道選擇上的叛逆的形式，重金屬在很大程度上還是英國的創造物。

Alternative Metal（另類金屬）
在車庫音樂幫助另類金屬更豐富從而獲得了大量聽眾，特別是當更多的有闖勁的樂隊逐漸考究他們的音色後，另類金屬開始成為90年代重金屬中最流行的風格。當它表現出幾乎最少重金屬分類類型的時候，它的形式和80年代早期的另類金屬就很不大相同了。同時，大部分倖存下來的硬核朋克樂隊都已轉入到了金屬領域的潮流，推動了地下重吉他搖滾樂隊在別處找尋靈感。

Black Metal（黑色金屬）
以邪惡、異教崇拜以及撒旦思想為其主要訴求，通常在歌詞含有反基督、反宗教的傾向即被歸為黑金屬，除了傳統重金屬固定樂器之外，經常會使用其他樂器如鋼琴、小提琴，或歌劇的女高音，在歌曲中營造出一股詭異又嚇人的恐怖氣氛。「黑金屬」以來自北歐的重金屬團體最具代表性。

Indie Rock（獨立搖滾）
獨立搖滾這個名字是從「獨立」這個詞來的，這個詞代表了按照自己樂隊的思想去做和發行唱片時小份額，低預算的特性。雖然大部分獨立種類的音樂是靠主公司的牌子來進入市場，佔取銷售份額的，但是他們做決定的過程仍然是依照自己想法的。同樣的，獨立搖滾可以自由的探究聲音，情感和歌詞的主題，無需迎合大眾的口味---大眾和個人口味的利潤是不一樣的（盡管他們是這樣做的，畢竟，還是想在商業中停留）。它根深蒂固於80年代的美國地下和另類搖滾，雖然自從那時開始地下搖滾樂已經開始發生了些小小的變化。感覺上這個詞被廣泛的使用，獨立搖滾真正的使它自己從另類搖滾中脫離出來是在Nirvana沖擊主流的前後。大眾口味逐漸將另類改造為嚴肅硬核的新形式，在過程中使它更predictable和testosterone-driven。獨立搖滾是一種亞文化的體現；不是所有另類搖滾都是通過Nirvana的激發，也不是全都想要如此。盡管獨立搖滾還沒明確分離涉及商業的朋克團體，但它還是不特別關心樂隊是否繼續特立獨行還是出賣給了主流；一般認為，首先它不可能在創作多種音樂形式的獨立搖滾和符合大眾口味這兩方面上達到平衡點。差不多有很多原因來解釋獨立搖滾樂隊不相容的特徵，但是以下的是一些共識：這種音樂可能太反復無常以及天真的；太怪異；太敏感和憂郁；太頹靡和病態；太空想和催眠；太自我和情感密切聯系歌詞；在它的作品中太低保真和低預算；在音調和重復段中有太多的稜角；太陰冷和研磨；包裝了太多Sonic Youth/Dinosaur Jr./Pixies/Jesus & Mary Chain-style的吉他噪音；在歌曲結構中太多的傾斜和破碎；受太多試驗或是其他非主流音樂形式的影響。不管這種特殊的性質，這種搖滾的創者和聽眾都和另類音樂剛開始的時候很相像，排除由於這個交匯處，獨立搖滾還是對於過度的testosterone採取很謹慎的態度。當然獨立搖滾從沒有很大的影響力或是強大的感覺；它只是很少有，或是從沒有男子氣概。在90年代到來的時候，獨立搖滾發展為相當多的亞潮流並且相似於它的臨近音樂形式（indie pop, dream pop, noise-pop, lo-fi, math rock, posr-rock, space rock, sadcore, 或是他們之類的），所有的這一切似乎都確實保持了地下現象的平衡。

Instrial Metal（工業金屬）
當純正的工業帶著它主要的來自試驗音樂和電子舞曲暗示，工業金屬使電吉他扭曲的噪音成為了音樂中一個重要的組成部分。一些工業金屬樂隊讓他們的歌曲建立在圍繞著金屬風格吉他重復段上，當其他的使用更多它能創造出的粗糙刺耳和研磨的質地。另一方面，工業金屬一般比起straight-ahead金屬來說，帶有更多的侵略魄力，由此幫助了這種風格橫穿於習慣了以吉他為主的金屬和另類音樂的聽眾。工業金屬的歌詞也反映了黑暗和標准重金屬的侵略性，盡管敏感性通過對朋克和另類搖滾個人意識上的疏遠被篩選出來。無論它的憤怒是轉向人性內還是表露於社會，工業金屬永遠表達一種陰冷和受折磨的焦慮的感情，通過它的重擊牆壁般的噪音來抒發來自世界邊緣的接近絕望的疏遠。

Agricultural Metal（農業金屬）
當純正的工業帶著它主要的來自試驗音樂和電子舞曲暗示，農業金屬另闢蹊徑，採取炫目的標題和嚴肅點批判精神奪人眼球。一些農業金屬樂隊讓他們的歌曲建立在圍繞著金屬風格批判歌詞重復段上。另一方面，農業金屬一般比起工業金屬來說，帶有更多的侵略魄力。

Post-Grunge（後垃圾）
西雅圖車庫音樂對美國主流音樂產生影響不久，就出現了一批所謂後車庫風格的樂隊。他們與西雅圖車庫音樂的主要區別在於：西雅圖車庫音樂堅定地追隨了80年代的地下另類搖滾樂風格，而後車庫音樂則更多地被概念上的車庫音樂風格----內在形式廣泛流行的，思想嚴肅的重搖滾----所影響。所以很多後車庫風格的樂隊只是簡單地模仿了車庫音樂的風格表達，卻不具有最初車庫藝術的獨立特質。後車庫樂隊承襲了典型車庫音樂中充滿焦慮，冷靜自省的音樂風格，並將其看作是車庫藝術的必要元素。即使處於低蘼時期，後車庫樂隊們也保持了十分嚴肅清醒的態度對待自身的存在，最終，車庫音樂的獨特元素成為了正統音樂本質上不可或缺的成分。後車庫風格幾乎影響了整個90年代的主流成熟的重搖滾音樂。雖然音樂中包含了另類的元素，後車庫依然是一種主流商業音樂----其渾厚流轉的車庫吉他演奏是音樂優美流暢，膾炙人口。

Progressive Metal（前衛金屬）
前衛金屬將金屬樂的打擊，音量，和侵略元素與前衛搖滾的宏偉的偽古典的張揚相混合。當然，有些樂隊強調了其中一個元素對另一元素的影響----例如，dream theater。相比與其他的樂隊，他們更傾向於前衛風格----但是所有樂隊都體現了音樂中的基本的張揚風格。

Death Metal/Black Metal（死亡/黑色金屬）
死亡金屬由80年代後期的鞭撻金屬而來。帶著堅硬的歌詞和對鞭撻病態的困擾走著極端路線，死亡金屬是---就像它的名字所暗示的一樣---僅僅是關於死亡，痛苦和受折磨的內容。這些殘酷寒冷的歌詞被不斷喧鬧，重型的重復著，這種風格受到很多像Black Sabbath遲緩金屬般的影響，Metallica就是典型的代表。死亡金屬樂隊也同樣受了很多70年代藝術搖滾復雜歌曲結構的影響，盡管大部分的這些復雜的歌曲結構是從Metallica那裡學來的。

Goth Metal（哥特金屬）
哥特金屬被陰暗，不斷喧吵的哥特搖滾的冰冷氣氛和重金屬侵略所包圍，發現了在戲劇意識和用宗教，驚駭來裝飾的抒情詩般的吸引力兩種風格中存在著的中間立場。像前朋克般居先的哥特金屬，曖昧的仿古，金屬樂隊般如Rainbow, Dio和Judas Priest般已被被形容為哥特的次要的嗓音，如果沒有更多的特徵，那麼除了真正的哥特金屬總是被哥特搖滾直接影響之外，縹緲的合成器效果和幽靈般的感覺同樣和吉他重復段一樣重要。因此哥特金屬常常保留請求聽眾站在天平的兩端。哥特金屬最先在80年代中期前段浮現，以洛杉磯為中心，所以也常被叫做「死亡金屬」，這個以Christian Death為首的發生地。很多哥特金屬樂隊自從在美國和歐洲跳躍起來之後，便通過tongue-in-cheek Type 0 Negative在90年代更廣的另類金屬聽眾中爆發了。在後10年期間，哥特金屬同樣被認為在黑色金屬樂隊尋找%
Punk（朋克）
朋克搖滾是最原始的搖滾樂----由一個簡單悅耳的主旋律和三個和弦組成。其變化在於朋克搖滾將過去的舊式搖滾演奏得更快速更激昂。由於有些樂隊片面地理解了朋克音樂的風格----包括60年代的車庫搖滾樂隊和the velvet underground, the stooges, the new york dolls----直到70年代中期朋克音樂流派才正式形成。西方的許多新生樂隊不再強調區別於主流硬核搖滾的超音樂形式，而是直指音樂的本質。紐約的第一隻朋克樂隊是the ramones; 在倫敦則以sex pistols為代表。盡管他們的音樂表現不盡相同----the ramones顯得輕快隨意，相比之下the pistols更強調了重復段落表達-----可是這些獨特的嘗試革命性地影響了美式音樂和英式音樂的風格。朋克音樂在美國一直低調地存在，最終在80年代孕育了硬核搖滾和獨立搖滾概念。而在英國，朋克搖滾則成為大眾的寵兒。sex pistols被看作是對政府和君主制的嚴重顛覆。更重要的是，有越來越多的樂隊加入了朋克搖滾。一些樂隊幾乎照搬了pistols的原始風格，另一些則創出了屬於自己的新的元素，如buzzcocks的尖銳搖滾，clash的贊美詩般的瑞格搖滾，以及wire 和 joy division的藝術試驗。不久，朋克分裂為後朋克（比原先更具藝術性和試驗性），新浪潮（更具東方流行意味），和硬核搖滾（一種形式上更激烈更快速更具侵略性的朋克音樂）。整個八十年代，英國和美國都將朋克的定義與硬和搖倫聯系在一起。90年代初，一批朋克復興主義者----以green day和rancid為代表----從美國地下樂壇浮出。這一批新生力量將朋克音樂重新帶回到最初的風格道路上，並嘗試著在其音樂中加入重金屬元素。
Acid Rock（酸性搖滾）
酸性搖滾是幻覺搖滾的一種激烈、大聲的變奏。它吸取了盛期已過的Cream和Jimi Hendrix即席演奏的精華。酸性樂隊依賴變奏的吉它、柔美的歌聲和長時間的即興表演。酸性搖滾存在的時間並不長——在幻覺劑的生命期限里，它不斷的發展並形成一個中心——最後沒有解散的樂隊演變成了重金屬樂隊。
Blues-Rock（藍調搖滾）
很多早期的搖滾是基於藍調的，但是直到60年代後期，藍調搖滾仍沒有完全發展為一種被認可的流派。藍調搖滾著重於兩種明確的特徵---傳統的三和弦藍調歌曲和樂器的即席創作。結合了小型爵士樂隊和搖滾不斷擴大的喧鬧特點，傳統的藍調搖滾---像Cream那樣由Alexis Korner 和John Mayall的傳統的英國藍調風格而來的樂隊，又如美國the Paul Butterfield Blues Band和 Canned Heat—也嘗試著演奏在爵士唱片和藍調演唱會中司空見慣的長的即席創作。這種混血兒很快就流行起來，與此同時很多樂隊立刻開始模仿他們，甚至比他們更喧吵和更多的重復段。在70年代早期，藍調搖滾和硬核的界限越來越不清晰了，像以爵士樂為基礎的ZZ Top就吸取了專輯搖滾作品的表演手法用以模糊他們的藍調根源。不論如何，藍調搖滾逐漸遠離了硬核，並且有一部分的樂隊仍繼續演奏，重寫和創作歌曲按照藍調的標准。在80年代和90年代，藍調搖滾比6，70年代更為堅定，即使當如Fabulous Thunderbirds 和Stevie Ray Vaughan這樣的樂手玩弄起了搖滾演奏者身份。在80年代，藍調搖滾已經成為像藍調一樣被認可的傳統。
Anarchist Punk（無政府主義朋克）
當Johnny Rotten在Sex Pistols初次發表的唱片中咆哮出『我想要..... 無政府狀態的混亂』時，它比那些深深握著政府信仰的更能煽動全場。但是，許多把這種信條深入靈魂的朋克樂隊，不僅僅只是盲目的反對權力而是針對這種思想的政府，或至少是偽善的，濫用職權的政府。無政府主義朋克樂隊有些是來自右翼分子的（the Dead Kennedys），有些是來自被壓制的工人階級（the Exploited）或是兩者兼有的；無論它的由來如何，它通過其激進的思想被統一了。大部分無政府主義朋克是硬核朋克的分支，自從他們都在同一時間顯露，並且無政府主義朋克常常以粗野的風格展現，更多的是音樂的非專業人士。這其中一部分的原因來自於這種風格的音樂是以個人自由為意識形態的（音樂上個人宣洩應該被每個人利用，無需不理會技術上的能力），並且這種思想漸漸比音樂本身更重要。但是能使人通過音樂充分理解到這種信念是和所宣揚的同樣激進也是很重要的。所以，無政府主義朋克被認可為通常都是喧鬧的，快速的並和它的專業技術一樣的粗糙。最具代表性的無政府朋克樂隊是Crass，因為他們的非凡的音樂結構以及他們樂隊成員的生活方式堅持了他們的演奏思想。
Britpop（英倫搖滾）
The Beatles 確立了很長時期的英國傳統和諧的音樂，吉他流行樂隊，是一種通過音樂運動時常更新的傳統形式。然而英倫搖滾採用了很多90年代那些比之前任何時期對傳統音樂的使用都要多的樂隊。盡管這個音樂形式起源於英國音樂獨立時期，但是英倫搖滾有很大的商業價值---著類型的樂隊可以有經濟上很大的報酬，他們是閃亮的，容易讓人上癮的，就像主流流行的歌手們一樣，並且他們為新一代英國年輕人的生活創造了新的精神環境。它被英國的年輕一代瞄準：因為英倫搖滾甚少關心其路線是否會使自身較難被美國聽眾接受，從而使英國年輕的一代充分感覺其唱出了他們的生活，他們的文化和他們的音樂追求。英倫搖滾年輕的活力和渴望公認的特點不僅對90年代早期低調shoegazer風格樂隊的老一輩樂手有沖擊作用，還對美國陰沉的車庫以及在新崛起的地下電子舞曲背後搞創作的樂手有一定的影響力。從音樂上來看，英倫搖滾沿襲了the Beatles，當然也融合了60年代晚期Kinks的田園之聲，中速音樂（the Who, the Small Faces），70年代的迷幻（David Bowie, T.Rax, Roxy Music），
朋克和新浪潮（the Jam, the Buzzcocks, Wire, Madness, XTC, Squeeze, Elvis Costello），還有the Smiths的另類吉他流行。所有的這些樂手都是英國音樂的精髓---他們用明顯的英國思維極大的發揮想像，作詞和有譜曲，這也是他們幾乎沒發和美國的Cult相比以及造成英倫搖滾形式單一的一大因素。在影響中分裂後，英倫搖滾已經在曼切斯特擁有了他們最迅速的根基，那是個強調好時機和偏重於shoegazer美學易記曲調的地方。The Stone Roses的頹靡流行風格和搖滾明星的姿態是英倫搖滾創立的主要部分，但是真正意義上的英倫搖滾之父應當屬於 Suede。在1993年他們以同名專輯第一次發行唱片時，他們那融合了glam-rock權威的式樣和Smiths改進後的風格使他們收到了意想不到的出色效果。Suede為之後1994年Blur（Parklife）和Oasis（Definitely Maybe）更強烈的突破開啟了大門，使他們從而很快地成為了英倫搖滾的兩大最流行的巨星。通過前兩者成功，炫目地在樂壇上爆炸而得到靈感，用相似的風格出現的樂隊：Elastica, Pulp, Supergrass, the Boo Radleys也同樣並列於巨星行列。到了1996，只有Oasis真正的成為了美國樂壇主流音樂的明星。1997年英倫搖滾盛行光環的逐漸消失，也就是Oasis在回顧第三張專輯是表現的貧乏和Blurs轉向美國獨立搖滾的時期。然而就是在這場運動中慢慢暗淡的巨星們，也仍有個別的繼續保持強大的勢利，較少的初期傳統搖滾保持古典風格繼續生存。
Celtic Rock（凱爾特搖滾）
從朋克管弦樂隊如the Pogues到紐約/凱爾特的混合物如Black 47到輕微的改變愛爾蘭曲調的Cranberries，Celtic這些搖滾樂隊通過搖滾的韻律結合了愛爾蘭演奏樂器來創作音樂，那是狂熱與激情，憂郁和浪漫共存的風格。凱爾特搖滾經常展現出明顯的愛爾蘭酒吧音樂的特徵，但是它也同時描繪了與R&B和另類搖滾並列的流行音樂。
Glam Rock（華麗搖滾）
常常和80年代的微金屬弄混淆（至少是對於美國的聽眾來說），迷惑搖滾幾乎是英國專屬的，在英國70年代中期的流行范圍非常廣。迷惑搖滾是相當簡單的，破碎的吉他搖滾因其誇張的蠻橫被大眾完全接受了。大部分的這類音樂用來自年輕人的流行泡泡糖搖滾舞曲和早期搖滾的搖動節奏令人不安而且易記。但是那些純真聲音在詮釋的過程中被覆蓋，變成了不自然的，眩目的主技演出技巧和關於性的。事實上，迷惑搖滾從沒進入美國市場的一個重要原因就是它的表演者故意關注性，穿鞋古怪的服裝，視覺性裝束的效果。一般來說，迷惑搖滾分為兩個派別。最流行的是T. Rex的故意任意使用碎屑的風格；領導者Marc Bolan倡導了迷惑潮流意識和創造出了全都關於性和愚蠢滑稽的風格---或是使它進入另一種以主流面目為特徵的道路。像Gary Glitter, Sweet, Slade這樣的樂隊跟隨了the T. Rex的審美觀，並改進成了另一種風格，這就是眾所皆知的glitter（更排外英國）。
但是因為這種風格對想像的依賴太重，迷惑有著令人驚訝的藝術面，被David Bowie和Roxy Music所概括。這種流派無論是從音樂還是歌詞看都更加充滿喜劇效果和野心勃勃；迷惑音樂為那些塑造他們意願中角色，將他們風格意識創造成完全藝術性，並探索潛伏在流行耀眼音樂表面下的黑暗的樂手們提供了機會。除此之外，獨立的美國迷惑搖滾樂隊就是the New York Dolls，他們自然的Stonesy proto-punk聽起來有別於同類的英國樂隊，但是他們的無價值的美學觀，異性裝扮的劇服使它們被明顯的歸為這一個陣營。迷惑音樂真正有效的打擊了電子戰正式通過1971年的T. Rexs，但是1972年使它風格突變的一年：T. Rex通過The Slider鞏固了它的聲望；David Bowie解散了它的經典Ziggy Sarst並且重組了Mott the Hooples star---發行了All the Young Dudes這張專輯；Roxy Music演出了他們極具影響力的初次登場；the New York Dolls開始了他們英國的第一次巡迴演唱會。迷惑搖滾在1976年創造了最高峰，當大部分它的殘留主力樂手都離開了這種風格或是放棄這份工作。然而，迷惑音樂對於主要成長在英國朋克運動中的小孩有一定的影響力，甚至在戲劇化般陰暗的前朋克中有更大的影響。當然，迷惑搖滾在80年代流行金屬中非常重要的，盡管除了Daf Leppard之外，許多的樂隊都來自美國並且對最初的發起者有很少的了解。
Punk Revival（復興朋克）
70年代裡，朋克音樂一直朝著美國主流音樂的方向發展，到了80年代已經出現了一批代表中堅力量的樂隊。90年代初----在朋克音樂出現將近20年後----美國第一次發行了本土的朋克搖滾打擊樂的唱片集和單曲。本質上說，復興朋克樂隊都是傳統主義者----他們延續了如sex pistols，the stooges, the jam, the exploited, black flag, dead kennedys, the descendents以及其他許多的堅定的朋克樂隊的音樂風格。自從80年代後期朋克演變為速度金屬後，這些傳統的朋克樂隊在音樂表達上自然比最初激烈了許多，然而這正是朋克音樂在美國吸引了大量聽眾的部分原因----音樂更為簡單激烈，很像是速度更快更為猛烈的車庫搖滾。第一批侵入美國主流音樂的朋克復興主義樂隊是green day和offspring, 他們的成功促進了一批跟隨者的團結，如rancid, nofx, pennywise, 和pansy division, 同時，將被忽略的80年代的朋克樂隊如bad religion以及地下朋克流派如第三波斯卡復興推到了聚光燈下。
視覺系(視覺系搖滾）
英文名為Visual Rock。起源於20世紀70年代的歐美。視覺系樂隊以其誇張唯美的造型和強烈的視覺刺激為主要特點，是一種具有蘊涵極大商業潛質和轟動效應的商業音樂。這種音樂形式歷經20年的發展及商業運作，已經在亞洲地區擁有廣泛的市場基礎及消費群,後來日本人開始模仿繼而發展VISUAL ROCK，視覺系樂隊所傳達的獨特的美學理念迎合了年輕一代的審美觀和娛樂方向，並派生出一種泛文化現象，其中涵蓋唱片、服飾及其他商業領域，在為樂隊帶來巨大聲譽的同時，也為相關產業帶來滾滾財源。
從音樂角度看是歐美ANDROGYNOUS（陰陽搖滾），GLITTER ROCK（華麗搖滾），THEEATER（誇張搖滾）的繼承和發揚視覺系（日語：ヴィジュアル系）是從日系搖滾發展出來的一種樂團類型。視覺系這個名稱實際上和任何音樂類型無關，是用來指稱那些擁有誇張服裝與化妝的樂團。X/X Japan最早的視覺系搖滾樂隊之一，也是視覺系搖滾最重要的樂隊，Visual Rock這個總稱是其全稱而來。X/X Japan不僅推動了整個視覺系搖滾向主流文化發展，也在全亞洲范圍內激起了搖滾的狂潮。X的隊長yoshiki被尊為視覺系搖滾的第一人.其主要代表樂隊還有：Glay，Luna sea，Dir en grey等。不過視覺系搖滾樂並不是一個以音樂風格所建立出來的流派，所以它也不會在音樂風格上獲得傳承。『以視覺表現與音樂結合』是視覺系搖滾樂團最重要的關鍵。
山地搖滾(Rockabilly)
一種將鄉村音樂中的弦樂音響與「節奏與布魯斯」音樂的曲式結構和歌詞風格揉為一體的白人搖滾樂形式。流行於50年代中後期。其特徵為：主奏電吉他音響豐滿而略帶鼻音，低音提琴以手掌擊弦，奏出活躍的低音線條，節奏吉他刮奏出清晰的節奏型，不時加入一些簡單的打擊樂節奏。演唱中常出現靈巧的尖聲喊叫、時斷時續的阻嗝聲，並夾雜著椰榆、嘲諷的語氣。 普萊斯利50年代中期在孟菲斯為「太陽唱片公司」灌錄的一些歌曲確立了山地搖滾的風格。
Art Rock(藝術搖滾)
一種試圖將古典音樂融入其中的搖滾樂。其特徵為：結構較為龐大，和聲語言較為復雜，並常借用古典音樂中的主題作為素材，並注重音樂的邏輯性和音樂素材的簡練、統一。
藝術搖滾（Art Rock）於60年代末興起於英國的一些受過古典音樂熏陶的搖滾音樂家中間。"披頭士"樂隊的《佩 普軍士孤心俱樂部樂隊》概念專集唱片被認為是"藝術搖滾"的先驅。 70年代 中，美國也出現了類似的傾向。"艾莫森、雷克與帕爾莫"（Emerson， Lake and Palmer）樂隊將穆索爾斯基的《圖畫展覽會》改編為搖滾樂；Yes樂隊 在《接近邊緣》中運用了古典奏鳴曲式。著名的美國樂隊還有"紐約玩偶"（ new York dolls），"路•里德"（Lou Reed）和"帕蒂•史密斯"（Patti Smi th）。他們不強調搖滾樂與古典音樂的表面聯系，而注重音樂邏輯的嚴密與 音樂素材的簡練、統一，並由此啟迪了朋克音樂與新浪潮音樂的產生。
藝術搖滾的創作一般可分為兩種：一種是比較簡單的做法，在搖滾樂中引用古典音樂片段，或把一首古典音樂作品改編成搖滾風格；另一種做法是將搖滾樂隊和管弦樂隊（或其他古典音樂合奏形式）混合而成，或者用搖滾樂語言按古典音樂的發展手法、結構形式創作而成。
Emo(情感核,非主流朋克)
情感核（Emo） 是硬核朋克樂 (Hardcore Punk) 的一個子門類。全稱為Emotional Driven Hardcore Punk.從誕生之初起，情感核一詞就用來形容幾種獨立分化出來的音樂形式，雖然它們之間的相連性不是很緊密但是卻同是來自一個音樂風格家族的。同樣地，關於這一詞的使用（及按此詞對音樂家進行的分類標准）引發了很多的爭議。
盡管Emo確實較少男子氣，但它仍是Hardcore作為追求真實和反商業主義的嫡系後代；Emo音樂確信商業傾向的音樂太過虛假和造作以至於不能表達任何真實的情感。由於Emo的理念是真實、深切可觸及的情感而反對理性的分析，因此它傾向於音樂中的過多的應用較之以往更強的音高和釋放，但最好的Emo音樂作品中會有一種徹底的力量使之同時具備內容性、挑戰性和私密性,其行為也經常遭到主流的抵制.例如前幾年因Emo造成的歌迷自殺事件.

㈨ 後搖的革命

不過，撇開那些極端份子不談，話說回來，誠如當初後搖滾的post-所揭示的，許多傳統搖滾樂或其音樂工業所產生的現象，在後搖滾的樂隊里卻是經常被顛覆的：例如沒有令樂迷崇拜的吉他英雄、吉他樂器在作品中所扮演的角色重新被定位或削減、沒有歌詞或是根本沒有主唱、常常缺少完美的三到四分鍾歌曲幅度；甚至傳統唱片工業或某些創作者最終的實質目的。一首首永恆經典膾炙人口的單曲，對這些後搖滾團體來講都是興趣缺缺。幾乎所有傳唱片工業所積極運作操控的模式，或是在這意識型態下的創作者態度與動機，可說是通通被逐一地打破、顛覆及解構。
如果說，所謂後搖滾運動真的是相對於舊有傳統搖滾樂起了某種程度上的顛覆，那麼當初西蒙先生所勾勒的未來音樂世界，其實是針對目前所謂另類搖滾時代的窘態而尋找或敞開另外一個新的大門：如同一個回力標沿著它的回轉軌跡，在對搖滾樂發展已經到某個極限時所做的一種歷史反芻，換句話說，當與樂隊逐漸玩光吉他或四至六人編制的花樣後，Electronica和後搖滾的先後醞讓興起，似乎便可以看成對搖滾樂發展起源的另一次大規模移轉與承起。當然若是還要尋根的話，91年由美國地下樂隊Slint所發行的《Spiderland》是一個很好的起點。若是再往前回推的話除了前面曾提過的樂種外，八十年代的後朋克與1977年的紐約NoWave Movement也都脫不了關系，如同這兩年的Electronica，早年受到現代音樂與極簡主義洗禮的諸多電子與噪音實驗樂隊，如今又重新借著這些後輩新秀得以翻身，而被視為當今所有新樂種的濫觴，另外，當年被許多樂評譏為四不像前衛搖滾或藝術搖滾也趁此混入許多歐洲崛起的後搖滾 團體當中。
新的創作觀念與錄音技術不斷的帶入專輯作品中，樂手與樂隊之間的互通有無，類型與次類型不斷地開發分芽，新的搖滾美學再度重新被定義。如果，再按照西蒙·雷諾茲（SimonReynolds）所說的，後搖滾簡而言之就是將搖滾樂器做非搖滾目的的使用。那麼回首四十年來的發展，搖滾樂不也向來就是一種革命的音樂？不管是對當年的貓王，還是現在最前衛最先進的地下音樂，對於當時的社會及他們每個世代而言，這些勇於突破的人就都是相對於當時最革命的音樂了。甚至我們可以說，即使搖滾樂跨入了後搖滾時代，搖滾樂的實踐哲學的本質其實是依然不變的，而只要一天堅持現場表演的真實與物質性，那麼搖滾樂依舊是搖滾樂。而革命的種籽也繼續在各角落獨自發芽。
看看四十年前草莽的火爆浪子，再看看現在的數字化與電子信息時代，當年勇往直前活潑亂跳的小鬼們依稀可辨，他們起創搖滾向前闊步邁進的精神仍未熄滅，只不過手持空心鋼弦木吉他早已換成閃亮酷炫的電子設備與樂器，後現代社會早已來臨，或許這些剛開始成長的音樂，才恰好可以反映與迎接這跨世紀的時代與精神吧？！98年一位Paul Dickow先生曾為文提出，現今已沒有任何新的後搖滾作品足以讓他感到興奮，也目前沒有新的創作者來挑戰這些後搖滾團體，這讓他感到憂心。
於是他接著提出三個值得思考的概念，以供未來的創作者去努力。
1、將主旋律去中心化；
2、開始採用非豐富表情的樂器來表現；
3、以最便宜的數字化機器做為每個人創作的基本。